“纵向的和声进行、横向的旋律对位、横纵交织按面组合的曲式、以及不同音色和性格的乐器选择...这就是粗放的《作曲学》应该细化的方向，也是我在秋季学期四个月要导论的《和声学》《对位法》《曲式分析》《配器法》。”
一些在众人心中模糊不清的概念或思维方式，此时逐渐被范宁擦去了迷雾。
原来，一首音乐作品，一套作曲理论，应该按照这四个维度去考虑，自己平日不是没有考虑过它们，但很多时候过于纠结杂糅，从未像今天这番思路清晰！
“诚然，音乐写作不是数学题。”范宁说道，“我们按部就班用理论指导作曲，也未必能写出大师级别的作品，但关键在于——比例，或概率！”
“我们中绝大多数人无法成就音乐大师，但将理性与灵感结合，普通人更容易尽可能地接近他们的伟大思想，原本庸碌的匠人，或许能成为青年艺术家；原本的青年艺术家，或许能成为著名艺术家；而那些已升至较高处，仅差最后一层屏障的求索者，或许就是缺少一次理性与灵感的融会贯通...”
很多人认为音乐理论是庸碌的科班生才学的东西，真正的大师都是随心所欲挥洒灵感而神作频出，这不对，这其实是某种一厢情愿的臆想。
如果去仔细查询音乐大师们的生平，不说全部，至少八九成都能找到类似“xx期间在某某大学，或跟随某某人学习和声/对位/作曲”的字样。
大师，恰恰是音乐理论学得最扎实的那一批人。
范宁打开自己准备的教案：“嗯...需要再强调一遍的是，由于课时有限，无法深入讲解，我的四门课程都只是‘导论’，请大家更侧重于改变思维、寻求启发，以构建起新的知识体系框架。”
“那么，就让我们从第一门课程《和声学导论》开始，逐步走上理性和灵感融合的艺术道路。”
已彻底进入状态的600余名师生正襟危坐，紧握钢笔，竖起耳朵听讲。
“两个音同时发声，即为‘和音’，大于等于三个音同时发声，即为‘和弦’，它们的不同组合连续往下进行，就是音乐的‘和声’变化。”范宁单刀直入，言简意赅。
“常用和弦分三种：三个音的组合称为三和弦、四个音的组合称为七和弦、五个音的组合称为九和弦。”
“在我们的常规语汇中，和弦构造呈三度叠置，最低的音是‘根音’，往上则称‘三音’、‘五音’...不管和弦中的音符上下关系如何改变，这些名称都固定不变。”
“我们使用和弦，可以用原位，也可以用转位，以最简单的C大三和弦为例，do-mi-sol是原位，而改变了某些音符的八度位置则是转位...将do提高八度放在上面变成mi-sol-do后，高低音跨度变成了六度，因此这个第一转位又称‘六和弦’；再将mi也提高八度放在上面变成sol-do-mi后，由于跨度包含一个四度一个六度，因此这个第二转位又称‘四六和弦’...”
“下面我请两位同学上台，默写一下常见和弦的原位和转位表...”
范宁先是梳理了最简单的和声定义，从构成与转位，讲到正三和弦的TSDT（主-下属-属-主）功能体系。
如果说《基础乐理》是高中数学，那么《和声学》等课程大概相当于微积分，对于已具备扎实基础的一流公学音乐科班生，去听这些东西很容易理解，就像高中毕业生学习大一课程般衔接自然。
不过所有人都觉得，范宁教授的梳理归纳极为系统全面、极为清晰有序，单凭这一部分，在“教案质量”上就胜过了通行的《作曲学》。
“接下来开始讲授四部和声写作的基本原则。”
从这里开始，听众第一次有了极为惊讶的感受。
四部和声作为严肃音乐的最基本形态，类似于美术的素描，类似于钢琴的音阶琶音，是作曲者最先要练习的基本功，
素描画好了也是美术珍品，音阶琶音弹好了也是天籁，同样的道理，大师们就算用四部和声的写个简单的音乐框架，也同样优美到催泪。
可对于初学者来说就痛苦了。
道理都记住了，案例都看懂了，一学就会，一写就废，到处都是不严谨的瑕疵，听起来还特别尴尬难听。
在提欧莱恩的几所音院里，能把最简单的四部和声写得优美动听的，那走到哪都能称得上是狠人，什么钢琴天才、年级组长都不得不服。
对于不开窍的绝大部分学生，可谓是“玄学”一般的存在。
没办法啊，只能照着从大师作品提取出来的案例，去感受、模仿、去尝试反复修改，学不会那就是灵感不够。
但接下来的范宁，将其背后隐藏的原理给完完全全复原且具象了出来！
他从基本原则出发，教大家低音的写作方式，讲解六和弦与三和弦的连接技巧，终止/经过/辅助四六和弦，以及属七和弦的各情景应用。
对于大师的作品案例为什么好听，他分析了那些片段中的关键音符是如何起的作用，并将其以功能命名为经过音、辅助音、延留音、先现音...
他指